Jeudi 24 janvier 2019

Karine Le Bail & Lola San Martín Arbide – EHESS

Les musicologues au prisme des sound studies : entre pratiques de recherche et stratégies disciplinaires

On pourrait aisément postuler l’existence d’un acoustic turn, tant l’on assiste au foisonnement croissant de recherches mobilisant des problématiques liées au son et à l’écoute. De fait, l’entrée par le sonore permet à un grand nombre de disciplines instituées de déplacer leurs cadres d’analyse et de renouveler leurs questionnaires. C’est le cas en premier lieu des sciences humaines et sociales, mais aussi des sciences de l’ingénierie ou encore des sciences du vivant – il suffit de citer le formidable essor des travaux en neurosciences sur le cerveau musicien, qui mobilisent parfois des musicologues.

Si ces dynamiques de recherche, aux enjeux épistémiques incontestables, ne se revendiquent pas toutes, loin s’en faut, des sound studies, ces dernières n’en effectuent pas moins une entrée en force dans le monde académique. Il y a même fort à parier que les inclinations managériales de la recherche, toujours en quête de faire émerger des programmes innovants, finissent par enjoindre certaines disciplines de se ranger sous l’attractive bannière des sound studies.

Cette hypothèse renforcée par un contexte de compression budgétaire des universités et de réorganisation des départements, servira de mise en intrigue à notre communication : la musicologie, ici ou là en phase de retrait au profit de nouvelles catégories telles que les musical studies ou les musical humanities, en viendra-t-elle à avoir « besoin » des sound studies pour maintenir son actualité et son attractivité ?

Interrogeant le rapport faussement homothétique entre musicologie et sound studies, nous observerons tout d’abord la manière dont les musicologues, historiquement marqué·e·s par un fort tropisme philologique, ont peu à peu investi le son, les dispositifs d’écoute, voire le bruit, comme des objets, des terrains et des questionnements qu’ils avaient de prime abord négligés et laissés et aux ethnomusicologues.

Que devient la musicologie face à l’essor d’un large éventail de recherches sur le son où convergent une variété d’approches et de méthodologies ? Comment ces nouvelles perspectives ont-elles déplacé ou enrichi les problématiques traditionnellement chères aux musicologues ? Enfin, comment la notion de musique se redéfinirait-elle à travers le prisme des sound studies ?

César Colón-Montijo – Columbia University

Towards a Caribbean Anthropology of Sound, Illness, and Precarity

Building upon three interrelated but often segregated genealogies of anthropological knowledge about the Caribbean – anthropology of sound/music, anthropology of precarity, and medical anthropology – this paper asks: how would a Caribbean anthropology of sound, illness, and precarity sound like?

My research concentrates on Puerto Rico as a colonial laboratory used by the U.S. to develop social engineering projects, colonial pharmaceutical ventures and social science research. Columbia University’s schools of anthropology and public health were prominent actors in these imperial endeavors that furthered the precariousness of Puerto Rican life, and created colonial pathologies and forms of bio-medical citizenship in a larger network of colonial territories. On one hand, it oversaw through its School of Public Health the institutionalization of The School of Tropical Medicine at the University of Puerto Rico. On the other, Columbia affiliated anthropologists arrived in Puerto Rico at the turn of the twentieth century with the U.S. military. Between the 1950s and 1970s, they produced ethnographies that were central to the culture of poverty debates. Perhaps the main of these Columbia-related ethnographic studies are The People of Puerto Rico: A Study In Social Anthropology (1956), a project led by Julian H. Steward, and Oscar Lewis’s La Vida: A Puerto Rican Family in the Culture of Poverty – San Juan and New York (1969).

In my research, I relate these anthropological and medical ventures to the work of “audio-ethnographers” (Sterne 2003) from the Boasian school such as Helen Heffron Roberts (1925, 1935), Zora Neale Hurston (1935, 1938), and Melville Herkovits (1937, 1941) conducted in other Caribbean enclaves. Understanding the Caribbean as an “unfinished” and “contested aural region” (Ochoa Gautier 2006), I think critically about the geopolitics of knowledge arising from the intellectual exchanges between these audio-ethnographers and Caribbean “sonic transculturators” (Ochoa Gautier 2006) like Fernando Ortiz, Alejo Carpentier, Jean Price-Mars, Ricardo Alegría, and Lydia Cabrera. Focusing on Puerto Rico as a colonial laboratory, my project takes the Caribbean as a pivotal aural region from where to pose a critique about the political-historical implications of dominant anthropological, ethnomusicological, and sound studies canons (Restrepo and Escobar 2005; Ochoa Gautier 2006; 2014). It asks: how would sound studies and notions of sound vary when framed within such biopolitical and anthropological histories of empire?

Sarah Collins – University of Western Australia

Sound and the Political Subject

This paper examines the intersection between ideas about sound, moral philosophy and liberal utilitarianism in the late-nineteenth century, extrapolating a prehistory to contemporary discussions surrounding the ethical view of music. In recent years theorists such as Jacques Rancière have used metaphors of sound and music to emphasize how unequal participation in public debate undermines democratic politics. He has highlighted a normative divide between political subjects who have language and speech on the one hand, and subjects without agency, on the other – traditionally workers and animals – whose voices were accorded the status of mere noises or sounds, such as groans or cries of pleasure or pain. The wider implications of this divide may be extrapolated in a contemporary context through discussions of the relationship between aesthetics and politics, and specifically art’s capacity for resistance or redistribution. Yet the political delineation of language and non-linguistic noises or sounds has a longer history that engages speculation about the origins of music and related discussions within moral philosophy.

A significant figure who participated in these types of debate in the late nineteenth-century was Edmund Gurney. Most contemporary assessments of Edmund Gurney’s musical thinking rely on his influential book The Power of Sound (1880), which is customarily read as an enclosed work of music philosophy. Yet much of the text of this book was initially published as separate essays in the liberal press years earlier – such as in the Fortnightly Review, Fraser’s and Macmillan’s Magazine, as well as in Nineteenth Century, and Mind. Gurney’s ideas about music were therefore initially directed at and read within the context of the broader discourses on politics, economics, moral philosophy and psychology that regularly appeared in these journals. This paper will trace the interaction between Gurney’s wide-ranging thinking and the traditions of utilitarianism, political economy and liberalism through his association with George Eliot and Henry Sidgwick’s circle, as well as through the liberal press. It will argue that one of the central tenets of Gurney’s thinking on sound – namely the idea that there is an irreducibly ‘musical’ form of beauty – might be construed as a manifestation of a form of ‘liberal individualism’ as it was framed by the liberal utilitarians with whom he associated. Bringing together ideas about sound, pleasure, labour and the good, these figures attempted to combine the cultivation of disinterestedness with the pursuit of pleasure as a means to attaining a balance between self-interest and the common good.

Karin Bijsterveld – Maastricht University

Acousmania in Sound Studies: An Amplifying, Absorbing, Reflecting and Redirecting Response

In 2015, literary scholar Steven Connor gave an intriguing and wonderfully phrased lecture during a sound studies conference at the Centre for Research in the Arts, Social Sciences and Humanities (CRASSH), Cambridge University. He distinguished between two groups of sound studies practitioners: “acousmatici” and “mathematici.” While the first “proclaim the sacralising, preservative or enlarging qualities of sound in itself, along with the enlivening powers of listening over the deadening dominance of abstract visualism,” the second stress “that sound and hearing are not events of ontology, but rather precipitations of historical practice.” (pp. 7-8). In Connor’s opinion, the work by acousmatici easily derails into “acousmania,” an exorbitance either celebrating a “sonorous utopia” of “nondominative becoming” or lamenting a “paranoid fantasy” of sound’s “magical omnipotence” (p. 2). The mathematici, however, would benefit from allowing some of the acousmatici’s idealization of sound, if only because all sound related practices draw on selective mishearing. My lecture responds to Connor’s advice to the mathematici by showing how this has been or could be taken seriously, for instance in research on music, but also by arguing where it makes no sense to follow Connor’s suggestion, what the alternatives are, and what all this might imply for the field of sound studies and its institutionalization.


Vendredi 25 janvier 2019

Paula Harper – Columbia University

Sound On: Attention, Autoplaying Video, and the Digital Sensorium

In December of 2013, Facebook launched a potentially-unpopular platform change: video autoplay. Under this new functionality, videos on a user’s feed would begin playing automatically when the user encountered them on the platform, without any additional engagement from that user. This implementation’s success necessitated the reversal of strong negative associations with autoplay as an invasive digital advertising tactic – antipathy shared widely among internet users and tech industry personnel. Crucially, however, and perhaps the distinction between hatred and ubiquity, Facebook’s 2013 autoplaying videos only automatically played their visual track at the instigation of a user’s scroll. The default state for autoplaying audio was mute.

In this paper, I demonstrate how digital autoplaying video–including its successful promulgation across social media in the wake of Facebook’s 2013 implementation – manifests a split in the digital sensorium, the understood bifurcation of viewing and listening in a 21st-century milieu of ubiquitous digital devices. Stemming from this assumption, I examine a number of strategies through which the audio/ visual split has been negotiated, monetized, and creatively bridged by consumers, creators, and corporate personnel. In one set of strategies, the decoupling itself is commodified; YouTube Red, for example, is a subscription service of the video-hosting platform marketed largely for its capacity to play music and sound “in the background” of a mobile device, while the user foregrounds the visuals of alternative applica- tions of their choosing. Other tactics attempt to encourage a bridging of the audio/visual divide. These latter strategies – like user and platform directives to put the “sound on” for particular video posts – rest on an understanding of full audiovisual attention as a marked (and desirable) mode of digital platform engagement. Ultimately, this paper demonstrates ways in which contemporary protocols and policies of digital sound and silence evolve dynamically and dialectically, as advertisers and corporations react to user behavior, and as users respond to new corporate standards and impositions.

Karine Bouchard – Université de Montréal/Université du Québec à Trois-Rivières

Les sound studies au service de la muséologie : réévaluer les enjeux d’une discipline

Cette communication examine la manière dont les sound studies peuvent devenir un outil méthodologique pour réévaluer les changements récents du musée, lequel s’affirme aujourd’hui comme lieu bruyant. Depuis les dernières décennies, nous assistons au développement croissant d’expositions à thématique sonore ou musicale ainsi qu’à une intégration importante de sons artistiques et fonctionnels dans l’espace d’exposition, par le choix des œuvres et par l’introduction de dispositifs technologiques (casques d’écoute, installations multimédiatiques et audiovisuelles, systèmes de sonorisation). Ces transformations vers le devenir sonore du musée n’ont pas été théorisées ou analysées par la muséologie jusqu’alors , la discipline étant encore aux prises avec des modèles occulocentristes. L’intégration du son au musée témoigne ainsi des limites des approches muséologiques qui ont analysé leur objet d’étude sous l’angle d’une prédominance à l’image, à la vision, au regard et à l’observateur. Il devient alors impératif de réévaluer les nouveaux enjeux sonores du musée à partir de modèles théoriques et pratiques qui sont en mesure de déplacer l’intérêt vers le silence, le bruit, la musique, l’écoute et l’auditeur de l’exposition.

À partir de quelques cas d’étude, dont l’exposition d’art sonore Soundings. A Contemporary Score (2013) et l’exposition de musique David Bowie Is (2013), cette communi- cation propose d’analyser la manière dont les sound studies permettent de revisiter les stratégies discursives et des conditions scénographiques de l’exposition sous l’angle du sonore et de l’écoute. D’abord, nous verrons comment l’espace spécifique de l’exposition muséale, envisagée à partir du son et de l’expérience d’écoute, amène à concevoir un détachement de l’objet vers une appropriation de l’environnement, une multiplicité de points d’écoute et une circulation des sons qui transgresse les frontières physiques du musée. Ensuite, nous examinerons les spécificités des expériences auditives proposées par le musée en les comparant aux pratiques auditives vécues au sein des différentes sphères de la société moderne et contemporaine telles qu’analysées par les sound studies (Sterne 2003). Il en conviendra de croire que des similitudes et des décalages qui apparaissent entre l’écoute au musée et l’écoute extra-muros dépendent de la nature du sonore présentée dans l’exposition : si l’art sonore propose une expérience auditive singulière, la musique électronique et rock récupère des comportements d’écoute de l’industrie de la musique et du disque. En somme, cette étude mènera à interroger le potentiel des sound studies à combler une lacune épistémologique et méthodologique dans le champ de la muséologie.

Julia H. Schröder – Johannes Gutenberg-Universität Mainz

Sounds for the Theatre Stage: A Cultural Practice in Competition to Music?

Off-stage sounds and sound design form an important element in theatre productions and theatre performances. If we understand off-stage sounds as a cultural practice, these designed theatre sounds form a counter tradition to music. As part of this practice, instruments have been developed, i.e. noise effect machines like the ones to produce acoustic imitations of rain or thunder. They have been continuously employed in European theatre for at least four hundred years until electroacoustic equipment entered the theatre stage in the twentieth century. Then the instruments for theatre sound design changed from mechanical to electroacoustic and digital.

The paper proposes a reading of those theatre sounds as a cultural practice of organizing sound and thus, a separate tradition to the composition of music. Intersections and competition of the two practices, i.e. theatre sounds and music, at different historical moments shall be considered.

Whereas musicology is an established discipline, the study of alternative traditions of organizing sound has either been included into music history or it has been part of variety of fields, depending on their resources and methodologies. With the introduction of the interdisciplinary research field sound studies in the last decades, a comparative analysis of sound practices has become feasible, as this proposal will demonstrate.

Peter Kiefer – Johannes Gutenberg-Universität Mainz

Art – Research – Sound – an (Im)possible Amalgam

Peter Kiefer will present the concept and working examples from the research project ARS – CUPRAS, a project he has developed and directs as part of his Gutenberg Research College Fellowship. With an artistic director situated in a research institution, ARS – CUPRAS aims at bridging art and science. It poses questions of awareness of sound and hearing in various fields and looks for artistically informed solutions. Kiefer will show the process of outreach, contact, problem analysis, collaboration and result in concrete case studies and works of sound art. The examples will encompass the fields of life science, bioacoustics, visual representation of sound and sounding phenomena.

José Gálvez – Humboldt University of Berlin

Sound/Society/Subjectivation – Epistemological Consequences of Sound Studies for Musical Analysis

Sound studies has arguably made three key contributions to musicology. First, the introduction of a relational and non-normative concept of sound. Second, the emphatic interest in the historicity as well as in the cultural and media specificity of forms of listening. Third, the research agenda of thinking critically through sound – what Jonathan Sterne calls “sonic thinking”. I claim that these contributions have epistemological consequences in the “core competence” of traditional musicology: musical analysis.

Considering important perspectives and insights of sound studies, musical analysis cannot only consist in the reconstruction of “musical texts” in specific historical and cultural “contexts”. Instead, sound studies encourage the analysis of historically and culturally specific constellations of practices, discourses, media, knowledge and sensibilities which define and redefine what music is or can be. Here the main subject of musical analysis is a musical praxis which comprehends practices of music production, music as a sonic-event and listening practices in their historical and cultural specificity.

But a musical praxis not only re-defines what music is. Taking into account sound studies and contemporary aesthetical theories, I claim that a musical praxis is a sonic mediated and organized way of re-defining sociality and subjectivity itself: how we think, feel or act. Sound studies invites music analysis to go beyond the research on musical (art)works, performances, recordings or repertoires. As novel approaches in popular music studies show, research on and through music is a very productive enterprise to grasp sonic articulations of gender, postcolonialism or media dispositifs. The aim of this paper is to outline the idea of music analysis as the analysis of musical praxes of subjectivation and as a paradigmatic form of research on and through music.

Benjamin Straehli – Université de Lille

Philosophie du son et philosophie de la musique doivent-elles aller de pair ?

Que la musique soit l’art des sons, cela peut sembler une évidence de sens commun, et il paraît alors légitime d’affirmer qu’une philosophie du son devrait comprendre, comme l’une de ses parties, une philosophie de la musique. Une telle conception se trouve par exemple affirmée par Matthew Nudds et Casey O’Callaghan dans l’avant-propos du collectif qu’ils ont dirigé, Sounds and Perception.

Cependant, certains débats récents révèlent qu’il n’est pas si aisé, pour une théorie du son, de s’appliquer à la musique. Ainsi Roberto Casati et Jérôme Dokic, dans l’article sur le son qu’ils ont rédigé pour la Stanford Encyclopedia of Philosophy, suggèrent-ils qu’une philosophie de la musique pourrait avoir besoin d’élaborer une ontologie particulière du son musical, distincte de l’ontologie générale censée rendre compte des sons non musicaux.

La difficulté qui se manifeste ici tient au problème général des rapports qu’entretient le son avec le corps qui le produit, ainsi qu’avec l’espace dans lequel il retentit. Les théories récentes en ontologie du son ont notamment cherché à dire si le son doit être considéré comme un événement qui se produit en un lieu déterminé, et si ce lieu est celui où se trouve la source sonore. Les mêmes questions ont pris une importance particulière à propos de la musique depuis que Roger Scruton a soutenu que la musique implique une sorte de détachement du son à l’égard de sa cause matérielle. Le son est-il un événement localisé dans le corps sonore, et la musique doit-elle être conçue comme détachée du corps sonore ? Si l’on répond non à l’une ou l’autre de ces deux questions, philosophie du son et philosophie de la musique semblent s’accorder. En revanche, si l’on répond oui aux deux, il devient plus difficile d’éviter la conclusion paradoxale qu’une ontologie générale du son serait inapte à rendre compte du son musical.

Je me propose, dans cette communication, d’examiner certaines des possibilités théoriques qui ont été explorées dans les débats contemporains à ce sujet. Cet examen portera principalement sur les propositions de Scruton, en prenant en compte la critique qu’en fait Andy Hamilton, ainsi que sur celles de David Roden. 

Céline Hervet – Université de Picardie Jules Verne

La réhabilitation d’un « sens second ». Contribution des sound studies à l’historiographie philosophique de l’âge classique.

Cette communication entend raconter, dans la lignée de lectures historiographiques récentes sur l’époque classique relevant du champ des sound studies (Erlmann, 2010), une autre histoire du sujet moderne et de l’âge classique en réinterrogeant ses principaux apports. Longtemps comprise sous un paradigme visualiste, la connaissance de soi et du monde inaugurée par la révolution cartésienne, qu’elle soit observation ou intuition, reposait sur une séparation nette entre un sujet et un objet tandis que l’audition, par le continuum qu’elle instaure entre le sujet et l’objet, relevait d’une confusion, d’une adhérence trop grande et suspecte à l’égard de la chose extérieure. La réhabilitation de l’ouïe comme mode d’accès privilégié aussi bien aux choses extérieures qu’à soi-même met au contraire l’accent sur ce qu’il y a d’ouvert, de poreux et de perméable dans le sujet. Aussi l’ego clos sur lui-même contemplant le spectacle du monde n’est-il qu’un aspect de ce qui se joue au siècle classique, y compris dans le corpus cartésien, la résonance intérieure, la sympathie potentielle- ment trans-individuelle est aussi une manière de se rapporter au monde qui fait dès lors trembler les limites entre intériorité et extériorité, entre le psychique et le social. Le tremblement, le battement qui sont des ornements typiques de l’esthétique vocale baroque, incarnent ainsi une manière de défaire le sujet en le faisant résonner et vibrer.

Nous montrerons alors la possibilité d’une unification des perspectives sur l’âge classique ouvertes par la spécificité du champ des sound studies lui-même : rétrospectivement, une cohérence nouvelle apparaît entre le culte de la voix en littérature et en politique, l’amour du beau son, le règne de la musique dont on relève l’aimable tyrannie sur l’âme et l’écho qu’elle offre aux passions, grand sujet d’études à l’âge classique. Certains de ces grands débats théoriques s’édifient sur le concept de résonance, qui s’applique à l’esthétique musicale mais aussi au problème de la relation corps-esprit, ce dont on prendra la mesure à la lecture de travaux relevant de l’acoustique et de l’otologie. Le son en tant que tel (c’est-à-dire non qualifié comme musique ou comme bruit, comme beau ou laid) permet d’élaborer des théories sensualistes voire matérialistes de la connaissance, contre le mécanisme pur et l’idéalisme issus d’un cartésianisme mal compris. Cette proposition s’inscrit dans les axes suivants : 1° la notion de préhistoire des sound studies et 2° les formes communes ou différenciées que prend l’étude du son dans les sciences humaines et sociales.

Marc Sciuchetti – The Florida State University

Sound, Place, and Identity: How Place-based Identity is Formed Through Sound and Rivers

This paper is on the cusp of cultural geography, place, and sound studies, seeking to understand how individuals use sound to connect to places in the United States, as well as the affective capacity of soundscapes in various places. This work follows what has been done in geography concerning religion and location, worship spaces, and human experiences in place, by connecting music and sound to the study of location and place. The creation and development of place and identity in a society is often complex and only considered within the context of political boundaries, social conflicts, or economic stability. However, these resulting created places oftentimes lack in their relation to culture and affective quality of these spaces (Harvey, 2006). An exploration of the creation of place in society helps provide meaning to spaces in a collective territory.

My paper is an exploration of sound, space, and place along the Hudson River to analyze how space, sound, and music vary, taking on many forms and affecting individuals’ identities and the creation of place. Using sound diaries, interviews, and field recordings of the Hudson River, I will explore the affective capacity of sound in place along the river and its importance to understanding placial identity and development. The spatial context within which events occur, for this paper we mean sounded events, produces individual and collective identities that change the way people interact with the world around them and understand their position within society and nature. The objectives of this research are to identify how particular sounds in place are used for the creation of an identity and how those sounds affect the listener in different spaces, thus creating varying places. Along the Hudson River, the sounds of particular places affect the listeners and change their understanding of place. Finally, this research will explain the important role that place and sound (creation and dissemination) plays in the development of a cultural group’s individual and collective identity.

The broader impact of this work lies in its connectivity to the present. As a way to understand our present society it is helpful to understand how nature, sound, and music affects our identities. In an age when many are struggling to define their identity and culture in a society, this research will provide another avenue for researchers to study the development of identity and culture through sound.

Mylène Pardoen – Université Lyon 2 / CNRS

L’archéologie du paysage sonore : sound studies, sensories studies ou orni (objet de recherche non [encore] identifié)

L’archéologie du paysage sonore s’appuie sur la recherche de traces sonores du quotidien présent dans toutes les archives et sur le constat suivant : ce quotidien sonore repose pour grande part sur son « intraduisibilité » (d’où la rareté des traces). La restitution fait donc appel à ce que l’on nomme l’archéologie du sonore et s’appuie sur l’hétérographie, qui permet de donner un sens/du sens à cette « intraduisibilité ». Rendre palpable l’invisible, bien au-delà des mots, tel est le défi de l’archéologie du paysage sonore. Passer au-delà des mots pour restituer des fragments d’histoire quotidienne sans dénaturer l’Histoire.

Pour répondre à la demande muséographique (dans un premier temps), puis des historiens et de l’ensemble des chercheurs qui s’intéressent de près ou de loin aux phénomènes sensoriels du passé, il faut dépasser le sound design et proposer des restitutions au plus proche de l’Histoire et très souvent de son quotidien. Pour ce faire, l’archéologue doit s’appuyer sur ces différentes récoltes (celle d’informations, les enregistrements…) et mettre en œuvre l’hétérographie pour restituer des ambiances sonores.

L’obligation d’une création narrative complexe nécessaire à l’élaboration et la restitution d’ambiances et de paysages sonores du passé alimente donc cette problématique : en touchant à la matière sonore, l’archéologie peut-elle se revendiquer des sound studies ? L’étude et l’analyse du son/ bruit/objet peuvent-elles, doivent-elles se supporter comparaison, confrontation avec celles du son/musique/voix-instrument ? De ce fait, l’archéologue est-il compositeur ou assembleur de sons ? N’est-il qu’un « historien » (un praticien de l’Histoire) un peu différent des autres ?

Cette présentation s’appuie sur les travaux menés, entre autres, dans le cadre du projet Bretez II. L’archéologue du paysage sonore se transforme en explorateur des textes et des mots pour concevoir son travail, mais également le faire écouter et sensibiliser sur ces notions sensorielles que tout texte renferme. Mon intervention s’appuiera sur mes travaux en cours, Bretez (dont la maquette qui sert de matrice à la recherche), ceux pour le musée du Château de Versailles (dans le cadre de l’exposition temporaire « Les Visiteurs de Versailles »), pour le musée Carnavalet, et pour le musée archéologique de la Crypte Notre-Dame.

Peter Kiefer

Looking at gravel 

En novembre 2017, 15 scientifiques de différentes disciplines de l’Université Johannes Gutenberg de Mayence se sont retrouvés dans une situation qui leur était inconnue : ils devaient spontanément commenter ce qu’ils voyaient. Le lieu était la terrasse de l’espace « bien-être » du Novotel Mainz, situé entre des murs historiques. Les chercheurs ont été invités à regarder le gravier et à le commenter depuis leurs domaines d’études respectifs. Le gravier exposé est le gravier original de l’hôtel. Les déclarations individuelles montrent chacune une vision authentique de la réalité. Bien que toutes les déclarations soient vraies en elles-mêmes, elles diffèrent. La situation se présente comme simple, mais des visions différentes de la réalité émergent.

Dans la composition sonore, les voix s’entremêlent en chaînes d’associations qui nous rapprochent des points de vue et nous invitent à notre propre vision de la réalité et de sa description.

In November 2017, 15 scientists from different scientific fields at the Johannes-Gutenberg-University, Mainz, were asked to go into an unfamiliar situation and spontaneously comment on what they saw.

The place was at the terrace of the wellness area of the Novotel in Mainz, which is situated in between historic walls – the scientists were asked to look at the gravel and comment it from the background of their scientific expertise.

The exhibited gravel here is the original.

Each individual statement gives an authentic view on reality and although all of the statements are true in themselves they differ from each other. The situation in itself is simple, nevertheless different views on reality result from it.

The sound composition interweaves the voices in chains of associations and allows the observer an approach to these views and to feel invited to an individual view on reality, too.

Thanks to Kunstmuseum Bonn, Prof. Dr. Stephan Berg and staff. With kind support of Novotel Mainz.
General manager: Jürgen Klüpfel, Administration manager: Katja Beisler


Samedi 26 janvier 2019

Samuel Llano – University of Manchester

The Noise of Shifting Boundaries: Towards a pre-history of Sound Studies

Recent work by Boutin and Picker on nineteenth-century urban noise in Paris and London, and my own work on nineteenth-century Madrid (Llano 2018) have shown that the fluctuating boundaries separating the notions of “noise” and “music” have been manipulated to maximise the control of social groups that fall out of the dominant socioeconomic order – or to fully exclude groups that lie in its margins. In order to avoid being dragged into the contingency and abuse of these categories, scholars are often tempted to use “sound” to refer to a range of social practices that sit uncomfortably between “noise” and “music.” This choice is grounded on the impression that “sound” is a neutral category whose use resolves or bypasses the tensions between “music” and “noise.” Yet, “sound” is not a new or neutral word. Behind it is a troubled history through which perceptions of what sound is and does have changed under the pressures of ideology formation and social conflict. This paper explores the historical contingencies of “sound” in order to argue that the constitution and development of sound studies as a discipline – or a constellation of disciplines – are not independent from the processes through which notions of “sound” are shaped and, related to this, from the tensions arising from the uneasy relationship between “sound” and cognate categories such as “music” and “noise.” Using examples from nineteenth-century Madrid, this paper will assess the extent to which the social structures that gravitate around these distinctions continue to reverberate within the formation of the “sound studies” discipline and reshape its borders. Furthermore, it will discuss whether the social conflict underpinning the perception that certain social practices are “noise” and others are “sound” or “music” forms an integral part of the pre-history of the academic discipline known as sound studies. The so-called “affective turn”, by inviting us to consider noise as a productive force that is manifest prior to the constitution of meaning could help to rescue “sound” from the historical contingencies to which it has been subjected, and thus pave the way for the future development of the “sound studies” discipline. But, could or should the future of sound studies develop without awareness of sound’s troubled past? How can the tensions between historical understandings of sound and the affective experiencing of sound arising from this turn be negotiated?

Joshua Navon – Columbia University

“Musicality” at the Boundaries: Music Pedagogy and Experimental Psychology in Germany around 1900.

Recent research has highlighted a flourishing of exchange between the musical and scientific fields in nineteenth-century Germany, with discussions of Hermann von Helmholtz’s writings on music and the psychophysics of listening featuring especially prominently. This paper outlines a related but little-discussed aspect of this interdisciplinary history, tracing shifts in the understanding and production of “musicality” in Germany around the turn of the nine- teenth century. To do so, I parse dense interactions between domains of music-pedagogical practice on the one hand, and the production of scientific knowledges around sound, music, and the human subject on the other.

In the decades surrounding the turn of the twentieth century, a group of German professors of music, situated primarily in the newly dominant music conservatories, drew from emergent knowledges in physiology and psychology to reformulate and expand prevailing conceptions of musical capacity. If earlier discourses of evaluation in German conservatories conflated the term “musical” with the ability to demonstrate understanding of musical works, these figures relocated human musicality, and the potential of its educability, among a complex of cognitive and bodily functions.

Drawing from archival research at Berlin’s Universität der Künste as well as contemporaneous music education journals and other published materials, I discuss how even the most apparently simple of musical actions (playing a single note on the violin, for example) came to be seen as demonstrating a remarkable multiplicity of physiological and psychological processes. In response to the perceived inadequacies of then-dominant music pedagogies, new emphasis was put upon “musicalizing” young students through elementary studies in perceiving and producing musical movement, rhythm, tone, dynamics, and phrasing. Furthermore, both conservatory curricula and journalistic discourse placed new value on musical practices that required transducing between distinct media (such as music dictation). As such, these attempts to define musicality anew – its norms, potentialities, and pathologies – were entangled with the pedagogical practices of training and examination through which that very musicality was developed and assessed.

By way of conclusion, I suggest that these interdisciplinary exchanges – as well as the sense of crisis that gave them their urgency – helped forge an epistemological stance that persists within several contemporary areas of academic inquiry, especially in the closely related disciplines of Music Psychology and Music Education.

Stéphane Le Gars – Université de Nantes

Entre télégraphie et orphéon : l’espace acoustique en France à la fin du XIXe siècle. L’exemple d’Ernest Mercadier comme construction du son entre Ecole Polytechnique et sociétés chorales.

Notre communication vise à questionner la nature des travaux du physicien Ernest Mercadier et ainsi à définir l’espace acoustique qui caractérise le contexte français de la fin du XIXe siècle. Les recherches de Mercadier sont dans cette perspective particulièrement intéressantes : Mercadier a en effet été tout à la fois directeur des études à l’École Polytechnique, enseignant à l’École Supérieure de Télégraphie et inventeur de nombreux appareils de téléphonie et de télégraphie, violoniste et directeur d’une société chorale. Il s’est par ailleurs impliqué activement dans plusieurs polémiques scientifiques ou musicologiques et manifeste un militantisme évident. Suite à la parution de la Théorie physiologique de la musique de Helmholtz, il publie plusieurs articles sur la question des intervalles musicaux en défendant l’utilité du tempérament égal. Il milite par ailleurs activement pour la défense de la méthode Galin-Paris-Chevé permettant un enseignement de masse de la musique, méthode qu’il défend en 1881 à l’occasion de l’écriture des Rapports sur l’enseignement du chant dans les écoles primaires, dirigés par Camille Saint-Saëns suite à l’introduction obligatoire de l’enseignement de la musique dans les écoles. Mercadier est également très investi dans des questions techniques touchant la télégraphie et la téléphonie : il met au point de nombreux appareils tels que radiophones, thermophones, microphones, télégraphes multiplex, electro-diapasons, et dépose aux États-Unis un brevet de bi-téléphone permettant l’écoute tout en gardant l’usage des deux mains pour la prise de notes.

Ainsi, l’exemple d’Ernest Mercadier nous permettra de dessiner les contours d’un espace acoustique particulier dans lequel la notion de diffusion prend une place prépondérante. Nous tenterons de dégager les modalités de construction du son dans un contexte de développement de la diffusion de masse, d’apogée d’une culture populaire marquée par les sociétés chorales ou orphéoniques, de bouleversements de l’enseignement dans le cadre de la consolidation de la IIIe République, et d’émergence d’une société de communications permise par les innovations techniques.

Andrea F. Bohlmann & Peter McMurray – University of North Carolina & University of Cambridge

Tape Ethnography: An Archaeology

“But we’ve been doing sound studies for decades!” This commentary is one made regularly by ethnomusicologists in response to the emergence of sound studies. The claim rightly highlights ethnomusicology’s expansive notion of what constitutes “music,” embracing poetry, speech, dance, religious ritual that adamantly resists such a definition. It suggests ethnomusicology might be a critical antecedent to sound studies as we know it today, as across Steven Feld’s work. At the same time, this quip asserts a fairly simplistic view of sound studies as just an expansion of the object of study from “music” to the broader “sound.” This comment also crucially suggests the possibility of thinking the history of ethnomusicology in terms of sound studies – an implicit (if inadvertent narrative) in standard histories of the discipline that begin with the phonographic recording practices of the Berlin Phonogramm Archiv or the Bureau of American Ethnology. Through this paper, we explore the generative theoretical sympathies between ethnomusicology and sound studies, but suggest that centrality of different recording medium and practice: tape and tape recording.

We suggest that tape and tape recording define the task and labor of the modern fieldworker, who captures interviews and ambient settings along with clean takes, while also purchasing and exchanging commercial recordings “on the road.” We focus on tape recording’s arrival in the academy in the 1950s to consider its impact on the history of ethnography, from the affordances of portable recorders like the Nagra to the learning generated by, for example, the rewind capacity of any reel-to-reel player to the new methodologies made possible through splicing/editing in the spirit of “soundscape” composition. If the wax cylinder collections of the phonograph highlight the colonialist underpinnings of ethnomusicology, we ask whether––and how––tape extended the imperialist and empiricist impulse of the pre-war era. The field recording skills, methods, and bounty of Fritz Bose and Laura Bolton are key examples that illustrate the shifting ethics of and technics of recording in the context of Nazi Germany and among the indigenous communities of North America at mid-century. We listen to their field recordings to consider how sound functioned to both fix and cut relationships between music and place, ethnomusicologist and “immersion” in the field. Further, as we suggest tape’s disci- plining capacity for ethnomusicology, we look to other disciplines in which tape trained listeners – especially linguistic anthropology – to raise questions about what it might mean to decolonize sound studies.

Adrien Quièvre – Université de Lille

Les dynamiques sonores de la contestation : musicologie et sound studies

La musique et le son ont joué un rôle important lors des révoltes et manifestations d’ouvriers mineurs en France au XIXe siècle. De nombreuses archives mentionnent en effet les hymnes, les chants, les cris et les huées qui ponctuaient ces événements contestataires ainsi que l’utilisation par les mineurs d’instruments de musique et de percussions improvisées. Musiques, sons et bruits se combinent et se répondent ainsi constamment, formant un paysage sonore protéiforme. Cet assemblage soulève la question des méthodes d’analyse à déployer pour parvenir à comprendre les liens qui unissent sons, musique et politique lors de ces révoltes et manifestations. Si, sous l’impulsion des sound studies, des chercheuses et des chercheurs ont analysé la capacité du sonore à structurer la lutte sociale, les liens qui unissent le son et la musique lors des événements contestataires restent largement inexplorés. Parallèlement, les principaux travaux consacrés à l’analyse des musiques en période de contestation ignorent les phénomènes extra-musicaux et leur capacité à amplifier, symboliser ou déplacer les enjeux de la lutte. Or, nous pensons que c’est en croisant les approches et les outils théoriques des sound studies et de la musicologie qu’il sera possible d’analyser plus finement les dynamiques sonores des contestations. Dans le cadre du colloque, nous proposons ainsi d’interroger la possibilité d’une étude croisée du son et de la musique dans les contextes de manifestations et de révoltes. Notre communication visera essentiellement à répondre aux questions suivantes : quelles méthodes déployer pour une étude croisée du son et de la musique ? La distinction théorique entre sons, bruits et musique est-elle pertinente ? Enfin, l’analyse musicologique peut-elle servir l’étude des pratiques sonores contestataires ?

Jonathan Thomas – EHESS

Inhumer les victimes du 16 mars 1937 : une économie politique du son et du silence

Le soir du 16 mars 1937, à Clichy, la police du Front populaire tire sur des militants de gauche venus manifester contre un rassemblement du parti social français, qu’ils considèrent comme une organisation fasciste. Outre plusieurs centaines de blessés, on compte notamment les décès de cinq manifestants communistes.

Le 21 mars, leurs obsèques collectives, toujours à Clichy, rassembleront un cortège qui, partant de Paris, comptera plusieurs centaines de milliers de personnes. On y chante l’Internationale et on y crie des slogans choisis à l’avance. On peut aussi y entendre neuf Harmonies et une grande chorale. À Clichy même, plusieurs orateurs du Front populaire parlent au micro avant l’inhumation des cinq militants.

Le 27 mars, les dépouilles de quatre d’entre eux sont exhumées. Chacun sera inhumé définitivement dans la ville qu’il habitait avant de mourir. Pour trois d’entre eux, il s’agit de villes de la banlieue parisienne qui sont toutes des territoires de la gauche. Des funérailles individuelles sont organisées et donnent lieu à trois cortèges, qui rassemblent chacun plusieurs milliers de personnes. Le caractère politique de chaque cortège est affirmé par les airs révolutionnaires joués par les harmonies et les drapeaux rouges portés par les manifestants. Dans chacun des trois cimetières, des discours seront prononcés par des représentants de la République ou d’organisations politiques. Ce jour-ci, en revanche, aucun cri ni aucun chant.

Alors que les cortèges du 21 et du 27 mars sont suscités par le même événement, sont animés par les mêmes acteurs partisans et qu’ils ont le même objet, quels sens prennent les cris et les chants des uns et le silence total des autres ?

Pour tenter de répondre à cette question, son(s) et silence(s) seront les initiateurs et les objets centraux d’une enquête bâtie sur l’analyse d’archives de la presse partisane et de la police parisienne. Celles-ci font traces d’une économie des types de productions sonores et de leur absence, qui participe à construire les situations de pratique politique collective et publique, et qu’il s’agira de comprendre. Cette économie politique du son et du silence sera considérée comme un moyen d’accès décisif aux modalités d’existence des pratiques politiques, dont deux des éléments – usages de la voix et espaces – seront particulièrement scrutés.

Andrey Logutov – Lomonosov Moscow State University

Giving Voice to Sound: Situating Sound Studies Within Philology

Talking about the institutionalization of sound studies in the academy, as the call for papers suggests, brings to mind quite a few issues that may not be exclusive to the field, but may shed some light on deeper changes experienced by modern scholarship.

First, new fields have to map themselves onto an existing scholarly landscape, which often involves appropriation of various disciplinary histories and re-imagining them as ‘pre-histories’ of the new field. Such developments may be construed in both negative and positive terms, as an unceremonious intrusion or a refreshing revision.

Another issue has to do with the fact that the existing system of disciplines are often rooted (or entrenched?) in an emphatically national tradition of research. Newer fields tend to be more internationally oriented, and may therefore be seen as a threat to the current national canon of research.

In my paper, I’d like to address these issues talking from my own experience organizing courses in sound studies at Moscow State University’s School of Philology.

As Mladen Dolar notices in his On Voice and Nothing More, the phenomena of voice and sound were until quite recently downplayed (if not majorly ignored) in linguistics and literary scholarship. However, it is precisely within the Russian humanities we can find figures such as Mikhail Bakhtin or Sergei Bernstein who directed their attention to the materiality of sound and made extensive use of sonic metaphors in their work. The concept of voice seems to be of particular interest as it helps inscribe such traditionally philological areas as phonetics or oral literature studies into a broader anthropological and media context. Moreover, abstract ideas like Bakhtin’s ‘polyphony’ may acquire a more material meaning. In my paper from 2015, I similarly suggest a new understanding of Bakhtin’s chronotope (space-time) as a space in which the voices of the author and the characters undergo transformations similar to those affecting sound propagating in a reverberating environment. I found that such reinterpretations not only help productively destabilize disciplinary canons and revise curricula but also reduce distrust towards foreign influences.

In line with John Mowitt’s idea of ‘sonic humanities’ I believe that the question of whether sound studies can ever aspire to be labeled a ‘discipline’ must be addressed in sonic terms. Rather than calling them a ‘field’ or an ‘area’ I would suggest thinking of them as a new mode of exchange within the existing landscape, a fluid network of echoes, resonances and conversations that does not necessarily have to be institutionalized to be institutionally significant.

Brian Kane – Yale University

In Search of Audile Technique

In this keynote I will engage in a search for audile technique. My aim is to examine (and thus, always, to re-examine) the meaning and use of audile technique as critical term in sound studies and music studies. My method will be prismatic and paratactic. I will subject the term (or concept or practice or regime) of audile technique to a series of questions: discursive (about the coinage, use, and dissemination of the term), historical (about its modernity and its routes of transmission and replication across time and space), anthropological (about its culture and practice), political (about the subjection and resistance of listeners in their engagement with it), mereological (about the singularity of audile technique and the multiplicity of audile techniques), and ontological (about the very status of the term’s referent). In doing so I hope to encourage sound studies and music studies, in a zone of mutual concern, to linger on what remains its shared concern: the history and structure of listening.